Ansel Adams

Ansel Adams คือหนึ่งในผู้คิดค้น zone system และเป็นนักอนุรักษ์ป่าไม้โดยใช้ภาพ landscape ที่เขาถ่ายเป็นเครื่องมือในการรณรงค์

เกิดเมื่อ ๒๐ กุมภาพันธ์ ๑๙๐๒ ที่เมือง San Francisco รัฐ California

ตายเมื่อ ๒๒ เมษายน ๑๙๘๔ ที่เมือง Monterey รัฐ California

การศึกษา อดัมเติบโตมาในครอบครัวที่มีฐานะ เขาถูกส่งไปเรียนในโรงเรียนเอกชน แต่

ในปี ๑๙๓๐ ที่เมือง Taos อดัมเห็น negative ของ Paul Strand (๑๘๙๐–๑๙๗๖) และรู้ทันทีว่าเขาอยากเป็นช่างภาพ [3] อดัมพูดเสมอว่าการที่เขาถูกฝึกมาให้เป็นนักเปียโนมีหลายๆสิ่งที่นำมาใช้ในการทำภาพถ่ายได้เช่นกัน

กล้องที่อดัมใช้มีดังนี้  box Brownie #1 ช่วงปี ๑๙๑๕ (อายุ ๑๓) Pocket Kodak, 4 x 5 view, Zeiss Milliflex และอีกหลายตัว ช่วงปี ๑๙๓๐ อดัมใช้กล้อง 35mm พวก Zeiss compact เยอะ ก่อนหน้านั้นอดัมใช้ 6-1/2 x 8-1/2 glass plate camera และ 4 x 5 camera หลังจากนั้นก็เริ่มมี film และ film pack ซึ่งทำให้หลายๆอย่างง่ายขึ้น อดัมทิ้งท้ายไว้ว่า “ย้อนกลับไปคิดถึงอดีต และใช้สิ่งที่ผมได้เรียนรู้มา กล้องอะไรก็ถ่ายรูปได้ดีทั้งนั้นแม้แต่กล้องรูเข็มก็ใช้ได้” [4]

“The negative is the music score, while the print is the actual performance.”

ภาพ half dome – เป็นภาพแรกที่อดัมใช้หลักคิด visualisation ปี ๑๙๒๗ [http://resonanttruth.com/wp-content/uploads/2010/08/ansel-adams-moon-and-half-dome.jpg]

Fern Spring, Dusk, Yosemite Valley c. 1961, Gelatin silver print
Collection Center for Creative Photography, The University of Arizona [http://artblart.com/tag/ansel-adams-waterfall-northern-cascades/]

Sand dunes, 1963.

ภาพพระจันทร์

Ansel Adams, Church and Road, Bodega, California (1953) [http://theonlinephotographer.typepad.com/the_online_photographer/2012/01/ansel-adams-at-the-lake-county-discovery-museum.html]

ภาพ Spanish structure

Ansel Adams – Aspens (1958) [http://photojournalistjournal.blogspot.com/2011_08_07_archive.html]

O’Keefe

Steiglitz (colour)

A family in a shipyard, taken by a Rolleiflex. Year?

สารคดีเกี่ยวกับอดัมโดย BBC

References

[1] History: Ansel Adams

[2] Ansel Adams Photographs, Records of the National Park Service

[3] Ansel Adams, The Last Interview.

[4] Adams’ Photo Gear  from extract from Adams’ interview by John Huszar for his 1981 film “Ansel Adams: Photographer”.

[5] Ansel Adams on videos.

[6] Interview by Roy Firestone on YouTube

[7] Ansel Adams BBC Master Photographers (1983) on YouTube

Walker Evans

เกิดเมื่อ ๓ พฤศจิกายน ๑๙๐๓ ที่เมือง St. Louis รัฐ Missouri สหรัฐอเมริการ

ตายเมื่อ ๑๐ เมษายน ๑๙๗๕ ที่เมือง New Haven รัฐ Connecticut สหรัฐอเมริการ

Walker Evans เป็นที่รู้จักในนามของช่างภาพ documentary เขามีความสามารถที่จะมองเห็นปัจจุบันเป็นภาพในอดีตได้ ทำให้เขาบันทึกภาพต่างๆที่สามารถสื่อกับคนดูได้ถึงความสำคัญของภาพนั้นๆ [1]

การเรียน

ช่างภาพ

แรงบันดาลใจ

Evans ใช้กล้อง 8″x10″ กล้อง Contax 35mm และกล้อง Polaroid SX-70

ภาพ Let Us Now Praise Famous Men  (Great Depression)

ภาพในหนังสือ The American Photographs มีทั้งภาพ portrait ของคนอเมริกันตั้งแต่ชาวไร่ คนทำเหมืองแร่ ทหารผ่านศึก และภาพของสถาบันที่สำคัญในสังคมอเมริกัน เช่น ร้านอาหาร fast food ร้านตัดผม และจบด้วยภาพจากเมืองอุตสาหกรรมเล็กๆที่แสดงถึงความยากไร้ในยุก Great Depression ช่วงปี ๑๙๓๐

ภาพในนิติยสาร Fortune

ภาพ Great depression

Gothic gate near Palkeepsie, N.Y., 1931. [http://lens.blogs.nytimes.com/2013/08/08/a-new-look-at-walk-evanss-american-photographs/?_r=0]

Sharecropper’s family, Hale county, Alabama, 1936. [http://lens.blogs.nytimes.com/2013/08/08/a-new-look-at-walk-evanss-american-photographs/?_r=0]

Main street, Saratogo Springs, N.Y., 1931. [http://lens.blogs.nytimes.com/2013/08/08/a-new-look-at-walk-evanss-american-photographs/?_r=0]

South Street, N.Y., 1932. [http://lens.blogs.nytimes.com/2013/08/08/a-new-look-at-walk-evanss-american-photographs/?_r=0]

 

References

[1] INTERVIEW: Walker Evans – “The Thing Itself is Such a Secret and so Unapproachable” (1974)

[2] Walker Evans (1903–1975) by Department of Photographs, The Metropolitan Museum of Art, USA.

Harry Callahan

Harry Morey Callahan 

เกิดเมื่อ ๒๒ ตุลาคม ๑๙๑๒ ที่เมือง Detroit รัฐ Michigan สหรัฐอเมริกา

ตายเมื่อ ๑๕ มีนาคม ๑๙๙๙ ที่เมือง Atlanta รัฐ Georgia สหรัฐอเมริกา

Callahan เป็นช่างภาพชาวอเมริกันที่โด่งดังอีกคนหนึ่งในช่วงศตวรรษที่ ๒๐ เขาเริ่มถ่ายภาพเมื่ออายุ ๒๖ และไปร่วมกับชมรมถ่ายภาพของบริษัท Chrysler  ที่เขาทำงานอยู่ จนอายุ ๒๙ เขาได้พบกับ Ansel Adams ช่างภาพ landscape ผู้โด่งดัง ภาพของ Adams ทำให้ Callahan ตกตลีงและเป็นแรงบันดาลใจในการถ่ายภาพ เขาเริ่มถ่ายภาพอย่างจริงจังตั้งแต่นั้นมา Callahan ได้พบกับ Steiglitz เช่นกันแต่เขาบอกว่า Adams คือคนที่เปิดโลกของภาพถ่ายให้เขา เขา ฝึกฝนการถ่ายภาพโดยการออกไปถ่ายภาพเกือบทุกเช้าและใช้เวลาในช่วงบ่ายอัดขยายภาพ ถึงกระนั้นก็ตาม Callahan บอกว่าในแต่ละปีเค้ามีรูปที่ชอบเพียง ๖-๗ รูปเท่านั้น

Callahan พบกับภรรยาชื่อ Eleanor เมื่อตอนอายุ ๒๑ ขณะที่ทั้งคู่ทำงานอยู่ที่บริษัทรถยนต์ ​Chrysler และได้แต่งงานกันในอีก ๓ ปีต่อมา

Callahan ได้รับเชิญไปเป็นอาจารย์ที่ Institute of Design เมือง Chicogo ตอนอายุ ๓๔ และต่อมาได้ย้ายไปสอนที่ Rhode Island School of Design เมื่ออายุ ๔๙ และสอนอยู่ที่นั่นจนเกษียรเมื่ออายุ ๖๕ ปี

ผลงานของ Callahan ถูกเก็บไว้ที่ Center of creative photography มหาวิทยาลัย Arizona ที่ซึ่งเก็บรักษาผลงานของช่างภาพระดับปรมาจารย์ของอเมริกาไว้มากกว่า ๖๐ ท่าน [Wikipedia]

ในบทสัมภาษณ์หนึ่ง [Archives of American Arts] Callahan บอกว่าในสมัยเด็กแม่ของเขาพาไปโบสถ์ทุกวันอาทิตย์ทำให้เขามีความผูกพันกับศาสนา ต่อมาเมื่อโตเป็นวัยรุ่นเพื่อนๆชวนให้เขาออกจากศาสนา แต่เขายังต้องการสิ่งยึดเหนี่ยวจิตใจซึ่งภาพถ่ายได้เข้ามาทดแทนได้  ซึ่ง Callahan เชื่อว่าทุกๆภาพที่เขาสร้างขึ้นมานั้นมีชีวิตหรือวิญญาณอยู่ด้วยเสมอ

Callahan เร่ิมใช้กล้อง 8″x10″ แล้วเพียงอัดภาพแบบ contract print เพราะนั่นคือภาพที่ชัดที่สุดและมีความงดงามแล้ว ต่อมาเขาใช้กล้อง 35mm และขยายไม่เกิน 8″x10″ 

Harry Callahan. “Eleanor, Chicago,” 1948. Gelatin silver print. National Gallery of Art, Washington, the Joyce and Robert Menschel Fund. Copyright Estate of Harry Callahan, courtesy Pace/MacGill Gallery, New York. [http://www.pbs.org/newshour/multimedia/harry_callahan/5.html]

Harry Callahan. “Eleanor,” Chicago, c. 1947. Gelatin silver print overall. National Gallery of Art, Washington, promised gift of Susan and Peter MacGill. Copyright Estate of Harry Callahan, courtesy Pace/MacGill Gallery, New York. [http://www.pbs.org/newshour/multimedia/harry_callahan/6.html]

Harry Callahan. “Detroit,” 1943. Gelatin silver print. National Gallery of Art, Washington, gift of the Callahan family. Copyright Estate of Harry Callahan, courtesy Pace/MacGill Gallery, New York. [http://www.pbs.org/newshour/multimedia/harry_callahan/index.html]

Harry Callahan. “Eleanor and Barbara,” Chicago, 1953. Gelatin silver print. National Gallery of Art, Washington. Promised gift of Susan and Peter MacGill. Copyright estate of Harry Callahan, courtesy Pace/MacGill Gallery, New York. [http://www.pbs.org/newshour/art/blog/2011/12/photographer-harry-callahan-at-100.html]

References

[1] http://www.geh.org/ne/str085/htmlsrc9/callahan_sld00001.html

[2] http://www.americansuburbx.com/2012/12/theory-harry-m-callahan-interview-feb.html

[3] http://www.pbs.org/newshour/art/blog/2011/12/photographer-harry-callahan-at-100.html

[4] http://www.mocp.org/info.php?s=Harry%20Callahan&t=objects&type=all

[5] http://www.pacemacgill.com/selected_works/artist_page.php?artist=Harry%20Callahan

Margaret Bourke-White

Born: 14 June 1904,  The Bronx, New York City, New York, United States

Died: 27 August 1971, Stamford, Connecticut, United States

วัยเด็ก From her naturalist father, an engineer and inventor, she claims to have learned perfectionism; from her “resourceful homemaker” mother, she claims to have developed an unapologetic desire for self-improvement.”Bourke-White’s brother Roger describes their parents as “Free Thinkers who were intensely interested in advancing themselves and humanity through personal achievement,” relating this quality in part to the success of Bourke-White, as a prominent Cleveland businessman and high-tech industry founder, and their older sister, Ruth White, who became well known for her work at the American Bar Association in Chicago,Ill. Roger Bourke White is not surprised at her success: “My sister Margaret was not unfriendly or aloof. Her interest in photography began as a young woman’s hobby, supported by her father’s enthusiasm for cameras. [Wikipedia]

การศึกษา

เป็นช่างภาพต่างชาติคนแรกที่เข้าไปถ่ายภาพโรงงานอุตสาหกรรมในสหภาพโซเวียต (ภาพประกอบ ๑)

ภาพที่ ๑ Dnieiperstoi, 1931
Col. Hugh Cooper, formerly of the US Army Corps of Engineers, posing in front of Russia’s Dnieper River Dam, the largest in the world for which he was the chief consultant for its construction. [http://weimarart.blogspot.com/2011/02/margaret-bourke-white-soviet-union.html]

เป็นช่างภาพหญิงสงครามคนแรก (ภาพประกอบ ๒)

Survivors gaze at photographer Margaret Bourke-White and rescuers from the United States Third Army during the liberation of Buchenwald, April 1945. [http://life.time.com/history/buchenwald-photos-from-the-liberation-of-the-camp-april-1945/#1]

Fort Peck Dam, 1936. [Life.com] ภาพปกฉบับแรกของนิตยสาร Life

Workers on Montana’s Fort Peck Dam blow off steam at night, 1936
[http://life.time.com/history/life-magazine-first-ever-cover-story-building-the-fort-peck-dam-1936/]

At a time when women were defined by their husbands and judged by the quality of their housework, Margaret Bourke-White set the standard for photojournalism and expanded the possibilities of being female. (Self-Portrait, 1943, Margaret Bourke-White, 19 1/8″ x 15 1/4″ Vintage gelatin silver print from the Richard and Ellen Sandor Family Collection) [http://www.smithsonianmag.com/multimedia/photos/?c=y&articleID=10024096]

Camera used: 4″x5″ view camera

, characters

Most Popular Images: “Gandhi”; “Steel Mills, Cleveland OH”; “Breadline”; “Concentration Camp” [http://www.agallery.com/pages/photographers/bourkewhite.html]

Quote: “If anyone gets in my way when I’m making a picture, I become irrational. I’m never sure what I am going to do, or sometimes even aware of what I do — only that I want that picture.”

Paul Strand

Paul Strand

เกิดเมื่อ ๑๖ มกราคม ๑๘๙๐ ที่เมือง New York รัฐ New York

ตายเมื่อ ๓๑ มีนาคม ๑๙๗๖ ที่เมืองปารีส ประเทศฝรั่งเศส

Strand เป็นช่างภาพชาวอเมริกันที่เป็นหนึ่งในผู้ผลักดันภาพถ่ายให้เป็นหนึ่งในศิลปะชั้นสูงที่ผู้คนอเมริกันในสมัยนั้นยอมรับ [Wikipedia, แปลโดย Yai]

Strand attended Ethical Culture Fieldston School where he was a student of Lewis Wickes Hine – an American sociologist and photographer. Hine used his camera as a tool for social reform. Hine’s photographs were instrumental in changing the child labor laws in the United States. During that time, Strand’s first photographic influence came when he visited the 291 studio – run by Stieglitz and Edward Steichen. The studio would exhibit work by forward thinking painters and photographers.

In 1949 (at 59), he moved to France and remained there until his death. While in France, Strand was monitored by the security services for his political movements.

Self portrait.

self-portrait (picture, title, year, story behind the picture, my opinion on the picture)

(my opinion on the picture)

Blind, 1916 by Paul Strand (American, 1890–1976)
Platinum print; 13 3/8 x 10 1/8 in. (34 x 25.7 cm)
© 1997, Aperture Foundation Inc., Paul Strand Archive
While he was in high school in New York City, Paul Strand studied photography with Lewis Hine, the social reformer and photographer. He also frequented Alfred Stieglitz’s Little Galleries of the Photo-Secession—later known as “291” for its address on Fifth Avenue—where he quickly absorbed the lessons of modern European art through the work of Picasso, Brancusi, and Cézanne, among others. In 1916 (at 26), Strand made a series of candid street portraits with a handheld camera fitted with a special prismatic lens, which allowed him to point the camera in one direction while taking the photograph at a ninety-degree angle. This seminal image of a street beggar was published in 1917 as a gravure in Stieglitz’s magazine Camera Work and immediately became an icon of the new American photography, which integrated the objectivity of social documentation with the boldly simplified forms of modernism. เป็นการแอบถ่ายรุ่นแรกๆ [http://www.metmuseum.org/toah/works-of-art/33.43.334]

Rebecca, New York, ca. 1923
Paul Strand (American, 1890–1976)
Palladium print; 7 5/8 x 9 11/16 in. (19.4 x 24.6 cm) source: http://www.metmuseum.org

รูปนี้ Strand ได้รับอิทธิพลจากภาพของ Steiglitz ที่ถ่ายภาพภรรยา แต่ภาพของ Strand จะดูใกล้ชิดมากกว่า ท่าโพสจะอยู่ในท่านอนซึ่งแบบจะรู้สึกผ่อนคลายกว่านั่งเพราะถ่ายในที่แสงน้อยจึงต้องใข้เปิดหน้ากล้องนาน

References

[1] http://www.iphf.org/hall-of-fame/paul-strand/

[2] http://www.artnet.com/Magazine/features/schjeldahl/schjeldahl4-3-98.asp

[3] http://astrochicksphotodiary.blogspot.com/2009/07/essaypaul-strand.html

 

 

Alfred Stieglitz

เกิดเมื่อ ๑ มกราคม ๑๘๖๔ ที่เมือง Hoboken, New Jersey

ตายเมื่อ ๑๓ กรกฎาคม ๑๙๔๖ อายุ ๘๒ ปีที่เมือง New York รัฐ New York

Stieglitz เป็นบุคคลสำคัญในประวัติศาสตร์ภาพถ่ายและ modern art ในอเมริกา เนื่องจาก Stieglitz  เป็นทั้งผู้สร้างงานศิลปะ คนจัดงานแสดงศิลปะภาพถ่าย พ่อค้างานศิลปะ พิมพ์หนังสือนิตยสาร Camera work ระหว่างปี ๑๙๐๓-๑๙๑๗ และเป็นผู้ก่อตั้งชมรมภาพถ่าย Photo-Secession และแกเลอรี่ 291 ที่แสดงทั้งภาพถ่ายและงานศิลปะอื่นๆ(ภาพสีและงานปั้น) จากยุโรป Stieglitz เชื่อว่าศิลปะภาพถ่ายเป็นศิลปะชั้นสูงเคียงคู่กับงานศิลปะประเภทอื่นๆ และได้แสดงความเชื่อนั้นไว้ในผลงานภาพถ่ายขาวดำของเขาเอง [http://www.theartstory.org/artist-stieglitz-alfred.htm]

Quote: “In photography there is a reality so subtle that it becomes more real than reality.” – ต้องการคนช่วยอธิบาย

การศึกษา Stieglitz ถูกส่งไปโรงเรียน Charlier Institute ซึ่งเป็นโรงเรียนที่ดีที่สุดใน New York เมื่ออายุได้ ๗ ขวบ พออายุได้ ๑๗ ปีพ่อของเขาได้ขายกิจการ() และย้ายครอบครัวไปอยู่เยอรมันนี Stieglitz ได้ลงทะเบียนเรียนวิศวกรรมเครื่องกลที่เมืองเบอร์ลิน

กล้องที่ใช้ – Steiglitz เริ่มใช้กล้อง 8×10 จนอายุ ๒๘ เขาได้ซื้อกล้อง 4×5 ซึ่งสามารถถือถ่ายได้สะดวกโดยไม่จำเป็นต้องใช้ขาตั้ง

Alfred Stieglitz, negative 1907 (at 43), print 1930 (at 66) Gelatin silver print 9 3/4 x 7 1/4 in. “All I know about myself is that I am an honest workman.–And that good workmanship is ever a passion with me.–And as I age the passion becomes more intense. Borders on mania.”
Stieglitz เขียนไว้เมื่อตอนอายุ ๕๖ ซึ่งดูแล้วสามารถเป็นคำอธิบายภาพที่เค้าถ่ายไว้ตั้งแต่ ๑๓ ปี ก่อนหน้านั้น ภาพนี้ Steiglitz ดูเป็นคนที่มุ่งมั่นและเคร่งขึมยิ่ง แม้ ๒๐ ปีหลังจากที่ล้างรูปนี้ Steiglitz ก็ยังมองว่าเป็นรูปที่แทนตัวตนของเขาได้อย่างดียิ่งและเขาก็ได้อัดรูปนี้เป็นของขวัญให้ภรรยาเขาด้วย [www.getty.edu, แปลโดย Yai]

Georgia O’Keeffe, photographed by Alfred Stieglitz, 1918, platinum print. Museum no. E.887-2003, © Victoria and Albert Museum, London. Stieglitz is attracted to O’Keeffe so much he had taken hundreds or even thousands of pictures of her. In 1916, he first saw O’Keefe’s work and started to photograph her in front of her work and finding ways to fuse her body with the compositions. This was the start of an extraordinary collaboration that lasted over 20 years and resulted in over 300 photographs. Stieglitz and O’Keeffe’s artistic dialogue extended to a profound influence on each other’s work. They became lovers and married in 1924 [http://www.vam.ac.uk/content/articles/a/alfred-stieglitz-exhibition/].

“Venetian Canal” aka “A Bit of Venice” by Alfred Stieglitz, negative 1894, Toned photogravure print 1898. [Wikipedia] ภาพนี้ถ่ายเมื่อ Steiglitz อายุได้ ๓๐ ปี ช่วงที่ไป honeymoon กับภรรยาทั่งยุโรปเป็นเวลา ๔ เดือน พอกลับมา New York

Toned photogravure (an intaglio printmaking or photo-mechanical process whereby a copper plate is coated with a light-sensitive gelatin tissue which had been exposed to a film positive, and then etched, resulting in a high quality intaglio print that can reproduce the detail and continuous tones of a photograph.) [Wikipedia]

The photograph was taken during Stieglitz’s four-month European honeymoon in 1894 and his first trip to Venice since 1887.2 Shortly after his return to New York, Stieglitz created this photogravure from the negative. Clearly satisfied with the result, he published the image four times between 1897 and 1899 in influential photography magazines and books. In its careful composition, use of soft focus, and straightforward printing methods, without manipulation or retouching, A Bit of Venice epitomizes the qualities sought in pictorial photography. At the forefront of circa-1890 European photography, pictorial photographers recognized that, while much was to be learned about composition and point of view through the study of contemporary painting, they could achieve effects with their cameras unattainable in any other medium. In his Venetian photographs, Stieglitz presents a point of view not unlike that to be seen in James McNeill Whistler’s much-discussed Venetian etchings (1879-80), but in A Bit of Venice he captures a damp mystery that could be suggested only with a camera. [http://www.oberlin.edu/amam/Stieglitz_Venice.htm]

Soft focus effect, but photo-quality in 1890 was something other art form could not achieve.

The photographic negative provided Stieglitz with the raw material for the final photogravure. “My hand camera negatives are all made with the express purpose of enlargement and it is but rarely that I use more than part of the original shot,” Stieglitz wrote in 1897, adding that “prints from the direct negative have but little value.”8 His change of attitude over the years is evident in his reuse of the 1894 negative in the early 1930s in a gelatin silver print.9 Revealing that the 1897 photogravure represented only about a quarter of the original negative,10 the later more complete image lacks the mysterious quality of the photogravure. For example, one hardly notices the unsettling presence of the man coming through the distant arch at the right.

A Wet Day on the Boulevard, Paris. (picture, title, year, story behind the picture, my opinion on the picture)

“The Net Mender” (picture, title, year, story behind the picture, my opinion on the picture)

Alfred Stieglitz returned to New York in 1890 determined to prove that photography was a medium as capable of artistic expression as painting or sculpture.

My favourite photographs

รูปที่ผมชื่นชอบ

รูปงาช้างของ Nick Brandt ที่ดูแล้วรู้สึกถึงความยิ่งใหญ่ของช้างที่มีงาขนาดใหญ่มาก ผนวกกับแผ่นดินที่แห้งแล้งและเห็นเงาไกลๆเหมือนกลุ่มช้าง ยิ่งเพ่ิมความหดหู่กับสิ่งเกิดขึ้นมากยิ่งขึ้นไปอีก

Ranger with Tusks of Killed Elephant by Nick Brandt

รูปผักกะหล่ำของ Edward Weston ที่แสดงถึงเสน่ห์ของภาพขาวดำและจินตนาการได้อย่างดี อะไรที่อยู่รอบๆตัวเราก็สามารถมาทำให้ดูสวยงามได้

Cabbage by Edward Weston

รูปดอกลิลลี่บนหน้าปกหนังสือ Quiet light ของ John Sexton

Lily by John Sexton

รูปแม่กับลูกของ Dorothea Lange ดูแล้วสัมผัสได้ถึงความกังวลของแม่ และความยากลำบากที่แสดงออกมาจากการแต่งกายและความมอมแมมของเด็กๆ

Migrant mother by Dorothea Lange